EXPLICACIÓN 3.1: EL BARROCO MUSICAL: INTRODUCCIÓN

1. EL BARROCO MUSICAL
Se puede considerar que el período del Barroco musical comienza en 1600 y termina en 1750 con la muerte de uno de los grandes músicos barrocos: Johann Sebastian Bach. El Barroco se puede periodizar en tres partes: Barroco temprano (1580-1630), Barroco medio (1630-1680) y Barroco tardío (1680-1730). A su vez, hubo una transición hacia el siguiente período, el Clasicismo, desde el 1730 al 1750.

El Barroco es un período de la historia de la música - y de las artes en general - con unas características muy marcadas, como son: el gusto por la ornamentación, lo decorativo y la expresividad. Durante los 150 años del período barroco, surgieron una variedad de estilos musicales que no pueden ser completamente encapsulados bajo el término "barroco". Esto se debe a la diversidad de enfoques, formas y géneros que los compositores exploraron durante este tiempo. En cuanto a países,  la influencia y la primacía musical de Italia se hizo sentir en todos los demás países, incluso en aquellos que desarrollaron sus propios estilos.

2. MÚSICA Y SOCIEDAD
En este tiempo, la Iglesia y la nobleza ya no son los únicos que pueden tener acceso a música hecha por profesionales. La burguesía también puede disfrutar de este privilegio, especialmente con la aparición de la ópera, que atrae a personas fuera de las clases más altas. Con la llegada de la ópera, la música vocal se inclina más hacia lo profano (no religioso). Sin embargo, también surgen nuevas composiciones religiosas, como cantatas, oratorios y pasiones, creadas por músicos como Haendel, Telemann y Bach.

3. MÚSICA INSTRUMENTAL
Durante el Barroco, la música instrumental se desarrolla y establece su propia identidad. A diferencia del Renacimiento, donde tenía un papel menor, en este período la fabricación de instrumentos por hábiles lutieres aumenta en cantidad y calidad. Esto hace que los instrumentos sean más accesibles y populares entre todas las clases sociales con recursos. Además, los compositores barrocos crean obras de mayor duración y complejidad, dando lugar a nuevas formas musicales como la sonata y el concierto, que son composiciones exclusivamente instrumentales.

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO 3.1

1. ¿Cuándo comienza y termina el Barroco?
2. ¿Qué importancia tiene la fecha 1750 en el Barroco?
3. ¿Cómo se periodiza el Barroco musical?
4. ¿Qué características artísticas muestra el Barroco?
5. ¿Cómo evolucionó la audiencia de la música durante el Barroco?
6. ¿Qué tres tipos de obras religiosas se componen en el Barroco?
7. ¿Qué género musical se consolida en el Barroco?
8. ¿Por qué razón la música instrumental tiene tanto auge en el Barroco?
9. ¿Qué es un lutier y qué importancia tuvieron los instrumentos en la sociedad?
10. ¿Qué diferencias hay entre la música instrumental renacentista y la barroca?

EXPLICACIÓN 3.2: EL NACIMIENTO DE LA ÓPERA.
1. LA CAMERATA FLORENTINA
Girolamo Mei, un intelectual florentino, junto con un grupo de poetas, músicos y humanistas liderados por el conde Bardi en Florencia, se reunían en tertulias literarias en casa de Bardi. Entre los miembros este grupo, llamados Camerata Florentina, estaban músicos como Vicenzo Galilei (padre de Galileo Galilei), Giuglio Caccini, Jacoppo Peri y el poeta Ottavio Rinuccini, entre otros.

Ellos estaban convencidos de que en el teatro de la antigua Grecia todo el texto era cantado. Promovieron la revalorización de la música griega y trataron de imitar lo que creían que era la música del antiguo teatro griego.

De estos experimentos surgieron las primeras óperas. Según ellos, este tipo de música debería ser monódica (una sola voz melódica) y acompañada instrumentalmente, para poder expresar perfectamente la línea poética y el mensaje emocional del texto. Consideraban que la polifonía no podía lograrlo ya que generaba un caos ininteligible con voces superpuestas.

2. ANTECEDENTES DE LA ÓPERA Y LAS PRIMERAS ÓPERAS
La ópera es un drama que combina soliloquios, diálogos, música, escenas y acción. La asociación entre música y drama se remonta a la antigua Grecia, en donde música y drama estaban íntimamente relacionados. Posteriormente, en la Edad Media, los dramas litúrgicos representaban escenas bíblicas, y ya en el Renacimiento los «intermedi» eran cortos interludios (fragmentos) de tipo pastoral o mitológico que se representaban entre los actos de una obra teatral, bodas o celebraciones. En el Barroco, la música y el drama se desarrollará a través de lo que hoy se llama ópera.

Para los compositores del 1600, como Peri, Caccini y Monteverdi, la ópera, al ser un drama musicalizado, pretendía que la voz (en monodía) fuera acompañada de instrumentos. En 1597, Peri compuso "Dafne", que se considera la primera ópera de la historia, aunque lamentablemente se ha perdido, conservándose solo el texto (libretto) y algunos fragmentos musicales. Después, alrededor del 1600, surgen otras como:

• «Eurídice» de Peri y Caccini (la hicieron en conjunto) aunque posteriormente cada uno hizo su versión propia de Euridice.
• «Rappesentatione di anima et di corpo» de Emilio de Cavalieri.

Más tarde, en 1607, Claudio Monteverdi, influido por las obras de Peri y Caccini, estrenó en Mantua (Italia) la ópera "Orfeo", compuesta en 5 actos. Esta obra, caracterizada por un mayor uso de instrumentos, es reconocida como la primera ópera importante en la historia de la música.


3. EL ESTILO RECITATIVO
Las óperas de este período inicial del Barroco usaban un estilo de canto que estaba a medio camino entre lo cantado y lo recitado. Es decir, es un hablado con entonación musical. El estilo fue llamado recitativo y fue el elegido por Peri y Caccini para crear sus primeras óperas. Con este estilo los compositores podían hacer expresivo el texto. El texto de ambas versiones de la ópera "Euridice" es de Ottavio Rinuccini.

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO 3.2

1. ¿Quién fue Girolamo Mei y qué papel desempeñó en el nacimiento de la ópera?
2. ¿Cuál era la creencia fundamental de la Camerata Florentina sobre la música en el teatro griego?
3. ¿Qué surgiría de los experimentos de la Camerata Florentina?
4. ¿Qué características debía tener la música según la Camerata Florentina para expresar adecuadamente el texto?
5. ¿Qué es la ópera?
   
6. ¿Qué antecedentes tiene la ópera?
   
7. ¿Qué óperas salieron de la Camerata florentina y quiénes fueron sus compositores?
8. ¿Qué ópera compuso Claudio Monteverdi y por qué fue importante?
9. ¿Qué es el estilo recitativo y qué hace expresivo?
10. ¿Quién escribió el texto de las primeras óperas?
    

EXPLICACIÓN 3.3: EL ARIA. EL ARIA DA CAPO Y OTROS TIPOS DE ARIAS
1. EL ARIA
El aria en las óperas es la parte cantada por el solista. Se opone al recitativo, que usa el estilo recitativo, algo entre lo hablado y lo cantado. Con las arias el compositor muestra y explota las situaciones dramáticas y emocionales del texto. Durante el momento del aria, la trama puede pausarse temporalmente mientras el personaje expresa sus pensamientos, emociones o dilemas internos a través de la música.

En las arias los intérpretes mostraban su técnica vocal. Se lucían, incluso en exceso, lo que provocó no pocas críticas de poetas y músicos ante estos excesos. A menudo las arias eran cantadas por castrati: hombres sopranos sometidos a una operación quirúrgica para no cambiar la voz al pasar la adolescencia. Uno de ellos, el más famoso, Farinelli, adquirió fama internacional por su gran técnica y su expresión vocal. Vivió veinticinco años en España.

2. EL ARIA DA CAPO
El aria Da Capo es una obra vocal en tres partes o secciones (forma tripartita). Se comenzó a usar en el Barroco en las óperas, oratorios y cantatas. La forma es A - B – A', siendo la última parte una repetición de la primera. Con el aria da capo el compositor se aseguraba que los cantantes, especialmente los castrati, cantaran al menos una vez las notas que había escrito en la partitura, es decir, la parte A, ya que ellos tenían fama de cambiar muchísimo las notas de la partitura mediante su extremo virtuosismo vocal. Las secciones del aria da capo son:

• La primera sección es una entidad musical completa, es decir, se podría cantar sola y musicalmente tendría sentido completo pues termina en la tónica. La tónica es el primer grado o nota de una escala.
• La segunda sección contrasta con la primera en tonalidad, textura, ánimo y a veces en tempo (velocidad).
• La tercera sección es un Da Capo, es decir, un volver a repetir desde el principio la primera sección. El compositor por lo general no la escribía de nuevo, sino que escribía las palabras "Da Capo" para ir al inicio y repetir la sección. El interprete, para no repetirla exactamente igual, la ornamentaba con adornos o variaciones a modo de improvisación. En el Barroco mucho de lo que se tocaba o se cantaba no estaba escrito en la partitura y los intérpretes improvisaban adornos muy diversos según el estilo de la época.

3. OTROS TIPOS DE ARIA
Las arias podían ser no solo "Da Capo", sino "Dal Segno" (desde el signo) en donde repite parte de la sección A, según donde se ponga un signo específico.

• Arias que tienen forma AB, es decir, forma binaria.
• Arias binarias, pero extendidas: ABB'. La parte B se alarga en otra: B'.
• Arias según su carácter: como el "aria di bravura" llamada así por su dificultad técnica o el aria “buffa”, por ser cómica.

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO 3.3

1. ¿Qué es un aria y qué muestra el compositor en ellas?
2. ¿Cuántas partes tiene el aria Da Capo?
3. ¿Por qué se dice que la primera sección se podría tocar sola?
4. ¿Qué es la tónica de una obra?
5. ¿En qué se diferencia la segunda sección de la primera en el aria da Capo?
6. ¿En qué se diferencian la primera y la tercera sección en el aria da Capo?
7. ¿Qué es un Da Capo?
8. ¿Qué sabían hacer los intérpretes barrocos que no estaba en la partitura?
9. Nombra 3 tipos de arias.
10. De los tres tipos de arias ¿cuál es la más difícil?

EXPLICACIÓN 3.6: LA MÚSICA INSTRUMENTAL EN EL BARROCO

1. MÚSICA INSTRUMENTAL EN EL BARROCO
A diferencia del Renacimiento en donde la función de los instrumentos era ser acompañantes del canto, durante el Barroco la música instrumental fue evolucionando considerablemente en muchos aspectos. El Renacimiento es, por excelencia, la época de la música vocal (polifonía renacentista), sin embargo, en el Barroco, los instrumentos se independizan de la voz y se compone música para instrumentos solistas. Esto ya se venía haciendo un poco en el Renacimiento pero en el Barroco se torna realmente importante. Tal es así, que se escriben conciertos para solista y orquesta, o piezas importantes para instrumentos a solo, como el clave, el órgano, el violín, el violonchelo, la flauta, el laúd, etc.

2. LOS INSTRUMENTOS EN EL BARROCO

Los fabricantes:
En este período los instrumentistas estaban ya muy cualificados para tocar pues mejoraron técnicamente respecto al Renacimiento. Los propios instrumentos también dieron un salto de calidad. Algunos lutieres (fabricantes) crearon instrumentos de cuerda frotada de gran calidad, que hoy día son piezas únicas de alto valor adquisitivo (Stradivarius, Guarnieri) o Ruckers en clavicémbalos.

En cuanto a los instrumentos:

• Los órganos de iglesia experimentaron grandes mejoras, ampliándose sus tubos y sus registros. Los registros que se  sirven para tener más sonidos, y suenan como flautas, trompetas etc). Se activan con tiradores situados cerca del teclado.
• Los instrumentos de tecla (clavicordio) los de cuerda (laúd) tuvieron importancia como instrumentos de acompañamiento o como solistas.  Se acompañaba mediante la técnica de bajo contínuo, que consiste en improvisar sonidos a partir de acordes escritos con un cifrado específico.

La función de los instrumentos era no solo acompañar la voz, como en el Renacimiento, sino sustituirla, es decir, tomar el instrumento como si fuese una voz humana, componer melodías para que el instrumento "cante".

En el Barroco se tiene más conciencia del timbre (cualidad del sonido por la cual se reconoce tal o cual instrumento). En este aspecto se favorece la combinación de timbres (orquestación) y texturas (contrapunto, imitación, homofonía, etc) diferentes.

3. LA TEORÍA MUSICAL Y LA PRÁCTICA INSTRUMENTAL
Al haber músicos que analizaban la música a fondo, elaboraban teorías sobre diversos aspectos musicales: la afinación de instrumentos, la tonalidad, la armonía, el contrapunto, el arte de tocar instrumentos etc. Se favoreció y se desarrolló enormemente la práctica instrumental gracias a estos libros teóricos. Algunos son:

• Armonía: "Tratado de armonía" por Jean-Philippe Rameau.
• Contrapunto: "Gradus ad Parnassum" por Johann Joseph Fux.
• Tocar el clave: "Ensayo sobre el verdadero arte de tocar instrumentos de teclado" por Carl Philipp Emanuel Bach.

4. FORMAS MUSICALES MÁS IMPORTANTES
Algunas formas importantes de música instrumental se pueden clasificar según dos periodos:

Hasta 1650 hay numerosos estilos:

1. Obras en estilo imitativo continuo y discontinuo:
   • continuo  (fuga, fantasía, fancy, capriccio, ricercar, etc.)
   • discontinuo, es decir, en secciones (canzona, sonata).
2. Obras en las que se da una melodía y se la varía (partita, passacaglia, chaconne, partita coral, y preludio coral.
3. Danzas. Si son varias, una detrás de otra, se llama "suite" al conjunto de ellas.
4. Obras en estilo improvisativo, para teclado o laúd generalmente, (toccata, fantasía, preludio).

Después de 1650 la música se caracteriza por ser o de teclados o de grupos de instrumentos (ensembles):

1. Música para teclados: toccata (preludio, fantasía); variaciones; passacaglia y chaconne; suite y sonata (después de    1700); arreglos de música litúrgica y corales luteranos.
2. Música para ensemble (grupos): sonata (sonata da chiesa), suite (sonata da camera); concerto y sinfonía.

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO 3.6

1. ¿Qué independencia se da en el Barroco en relación a los instrumentos?
2. ¿Qué tipo de obras se escriben para instrumentos en el Barroco?
3. Nombra un lutier de instrumentos de cuerda y otro de instrumentos de tecla.
4. ¿Cómo mejoraron los órganos barrocos?
5. ¿Qué es el bajo continuo?
6. ¿De qué eran conscientes los músicos barrocos en relación al timbre?
7. Nombra tres aspectos musicales sobre los que se teorizó.
8. Nombra tres obras imitativas continuas que comiencen por “F”.
9. Nombra dos obras en que se varíe una melodía.
10. ¿Qué es una suite y una fantasía?

EXPLICACIÓN 3.7: LA MÚSICA ORQUESTAL EN EL BARROCO
1. LA ORQUESTA BARROCA
En el Barroco las orquestas no eran muy grandes, como lo pueden ser hoy día con decenas de músicos. La orquesta del Rey Louis XIII tenía 24 violines y a la de Louis XIV se le juntaron 21 instrumentos más de cuerda. Las orquestas dependían mucho del número de músicos disponibles en el momento. La plantilla más o menos fija eran cuerdas (violines, violas, violonchelos, contrabajos), vientos (2 flautas, 2 oboes, 1 fagot y 1 trompa, a veces 2), trompetas y timbales (ocasionalmente ambos), clave y órgano (hacían el continuo, o uno o el otro). A veces se usaban varios tipos de oboe (oboe d'amore, oboe da caccia), y por último, laúdes, teorbas, mandolinas, y flautas de pico.
Las tres características típicas de la orquesta barroca son: 

• las cuerdas: era la base firme sobre la que se juntaban otros instrumentos ya mencionados.
• el contínuo: lo hacía el clave o el órgano. El instrumentista formaba acordes durante toda la
  obra sobre la línea del bajo. Funcionaba como relleno y adornando las texturas.
• los contrastes: sobre todo de fuertes y pianos, pero también de timbres, es decir, podían
  sonar timbres brillantes (trompetas y oboes) contra un fondo de cuerdas y continuo.

2. ESTILO CONCERTATO
La palabra "concertato" viene del italiano "concertare", llegar a un acuerdo (se pronuncia
“conchertare”). Así, los instrumentos debían juntarse en un armonioso "ensemble" (grupo de
instrumentos). En el Barroco inicial surge una manera de tocar en donde los instrumentos se
mezclan con las voces, pero no solo doblan las voces (doblar es tocar las mismas notas que las
voces), sino que tienen partes individuales. Este es el medio más usado en el siglo XVII. Así,
existen madrigales concertatos en donde los instrumentos se juntan a las voces, conciertos sacros
(obra vocal sacra con instrumentos), concerto instrumental (obra para varios instrumentos) etc.

3. EL CONCERTO BARROCO: CONCERTO GROSSO Y CONCERTO SOLISTA
El concerto (pronunciado “concherto”) podía ser de dos formas: concerto grosso y concerto solista.

Concerto grosso

La palabra “grosso” aludía al grupo más numeroso de músicos de la orquesta, ya que había dos
grupos de músicos que se alternaban creando contrastes:

• el pequeño grupo, llamado concertino.(pequeño concierto) y
• el grupo más grande, llamado concerto grosso (gran concierto). A este grupo grande se le terminó llamando “ripieno” (relleno).

Concierto grosso es el nombre que alude a la forma musical en donde concertino y ripieno se alternan. El concertino es un pequeño grupo de solistas y el ripieno es el grueso de la orquesta, mayormente las cuerdas, que hacen un relleno.

Concerto solista

El concerto solista es de estructura similar al grosso pero sustituye el concertino por un solista. En
este tipo de concerto no hay, pues, concertino, sino un solo solista. Las obras para concerto solista
son compuestas para un instrumento solista que a menudo toca pasajes de gran dificultad y en
donde la orquesta (ripieno) se contrapone con más peso sonoro.

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO 3.7

1. ¿Cuántos instrumentos tenía la orquesta del Rey de Francia Louis XIII?¿Cuántas flautas, oboes y trompas solía tener una orquesta barroca?
2. ¿Qué instrumentos formaban la base de la orquesta barroca?
3. ¿Cómo se llamaba al instrumento que formaba acordes sobre un bajo y que solía ser un clave?
4. ¿Qúe contrastes orquestales había?
5. ¿Cómo se llama una obra sacra con instrumentos?
6. ¿Cuál es la diferencia principal entre los dos grupos de instrumentos del concerto
7. grosso?
8.  ¿Qué nombre recibe el grupo de instrumentos solistas del concerto grosso?
9. ¿Qué es el ripieno?
10. ¿En qué se diferencia un concerto grosso de un concerto solista?

EXPLICACIÓN 3.9: EL BARROCO EN ESPAÑA
1. SIGLO XVII
La música renacentista pasa al Barroco español sin brusquedades. En el ámbito religioso la música no permitía grandes innovaciones y como tampoco había una imprenta musical importante lo que se componía no trascendía más allá del ámbito local.

1.1 Música religiosa.
Se componen salmos, motetes y misas, siendo Sebastián Durón (m.1716) el último de los maestros del Barroco del XVII. Como recurso musical se usa la policoralidad, es decir, varios coros a la vez pudiendo llegar hasta cinco los coros usados. Destaca Juan Bautista Comes en este recurso.

Otro género fue el auto sacramental. Eran obras de teatro religiosas, escritas en un acto, de tema alegórico o doctrinario. Se solían representar al aire libre en las fiestas del Corpus. Se sabe muy poco de ellos pues la música se ha perdido.

1.2 Música escénica: zarzuela y ópera
En lo profano hay un alza de la música escénica, sobre todo zarzuelas y música para teatro con obras teatrales de Lope de Vega, Calderón de la Barca y Tirso de Molina. En ellas se intercalaban fragmentos musicales que luego evolucionaron en la tonadilla escénica y en la zarzuela.

La zarzuela surge en Madrid bajo el auspicio de Felipe IV quien contrataba cómicos profesionales para su distracción en los jardines del palacio después de cazar. Eran obras de teatro, breves, en las que había importantes partes cantadas. Con Calderón de la Barca la zarzuela se transforma en una obra de teatro en 2 actos con partes cantadas y representadas. Los temas tratados son parecidos a los de la ópera: mitología, hechos legendarios con semidioses y monarcas. Sebastián Durón es el principal compositor.

El género operístico no tuvo éxito en el siglo XVII. Con Juan Hidalgo la ópera "Celos aún del aire matan" de 1660 es la primera ópera cuya música se conserva, aunque en 1622 se representó "La gloria de Niquea" de Mateo Romero cuya música se ha perdido. Por otra parte,  en 1627, destacan los textos de Lope de Vega con “La Selva sin amor”, música de Piccini, italiano; y de Calderón de la Barca con “La púrpura de la rosa”, música de Juan Hidalgo.

Otros géneros y sus compositores
Los más importantes son:

• Música para órgano: Francisco Correa de Araujo y Juan Cabanillas.
• Villancicos: Juan Bautista Comes.
• Guitarra barroca: Gaspar Sanz y Francisco Guerau.

2. SIGLO XVIII
La música del siglo XVIII se sigue produciendo en los mismos focos que en Renacimiento y además, en los teatros. Es decir, se hace en la Iglesia, la Corte, las Casas de la nobleza (Casa de Alba, Casa de Benavente) y los Teatros. Con el movimiento ilustrado, al final del Barroco, y el advenimiento de los Borbones (Felipe V, Fernando VI, Carlos III) hay una regeneración de la vida cultural en España permeada por influencias extranjeras, sobre todo de Italia.

2.1 Ópera y otros géneros.
La ópera "La guerra de los Gigantes", en 1702, de Sebastián Durón, es la última ópera española compuesta antes de la invasión de la ópera italiana que dominará todo el siglo XVIII.

En otros géneros destacan:

• En música religiosa los principales son: José de Torres, Antonio Literes, y Francisco de Nebra.
• En música instrumental los italianos afincados en España: Luigi Boccherini (quintetos) y Domenico Scarlatti (sonatas) que era maestro de la reina Mª de Bragança.
• El padre Antonio Soler, maestro de los infantes, con obras para órgano, quintetos y sonatas.
• El guitarrista Santiago de Murcia autor del último libro para guitarra publicado por el sistema de tablatura.
• El castrato Farinelli, en la corte española de Fernando VI.

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO 3.9

1. Nombra dos compositores de música religiosa del siglo XVII.
2. Señala 3 aspectos de los autos sacramentales.
3. ¿Cuáles fueron los tres autores literarios que destacaron en el teatro en el siglo XVII?
4. ¿Con qué rey se crea la zarzuela y en qué lugar se representaban?
5. ¿Cuántos actos y qué temas tenían las primeras zarzuelas?
6. Haz una lista ordenada por fechas de las óperas y sus compositores del XVII.
7. ¿En qué instrumento destaca Gaspar Sanz y qué otro compositor es importante?
8. Nombra 4 focos de producción de música en el siglo XVIII.
9. ¿En qué género se nota la influencia de la música italiana en España?
10. ¿Qué dos compositores componen quintetos y quién era Farinelli?

Enlaces:

1. https://www.youtube.com/watch?v=dS7q_GvDP6A
2. https://www.youtube.com/watch?v=JrT3KNI2QLI
3. https://www.youtube.com/watch?v=uddV6z3YihQ
4. https://www.youtube.com/watch?v=hh27qSb2J_0
5. https://www.youtube.com/watch?v=KTZbP2TUBVQ
6. https://www.youtube.com/watch?v=qkyYB_4X70c

EXPLICACIÓN 3.10: LA TRANSICIÓN AL CLASICISMO: EL ESTILO GALANTE.
1. LA TRANSICIÓN AL CLASICISMO
En el tránsito del Barroco tardío al Clasicismo surgen estilos que conviven juntos y que tienen ciertas características comunes o pequeñas diferencias entre ellos. Se agrupan dentro del Estilo Galante. La palabra "galante" en la época barroca se refería a todo lo que era moderno, suave y sofisticado. Socialmente hacía referencia a actitudes y maneras del comportamiento refinado de la nobleza culta.Los estilos del Galante son: el estilo Rococó, el estilo Empfindsamer y el estilo de los compositores de las escuelas de los diferentes países.

2. EL ESTILO GALANTE EN MÚSICA
Dentro del Estilo Galante se dan tres fases, que a menudo se solapan:
1720-40 (Rococó); 1740-60 (Empfindsamer Stil) y 1760-80 (Estilo pre-clásico). En música "galante" significaba "componer de manera moderna", es decir, como la manera moderna teatral italiana: melodías periódicas con acompañamiento ligero y acompañadas con armonía simple con frecuentes paradas en cadencias.

El estilo se encuentra en los italianos:

• Baldassare Galuppi (obras de piano).
• Giambattista Pergolessi (arias).
• Leonardo Vinci (arias).
• Luigi Bocherinni y Domenico Scarlatti (obras de clave)

En Alemania destacan George Philipp Telemann, Adolf Hasse y Carl Philip Emmanuel Bach.

3. EL ROCOCÓ
Es un estilo francés que se caracteriza porque sustituye las formas grandes del Barroco por las formas más pequeñas. Viene a ser una reacción contra el Barroco para librarse de sus reglas. Busca distraer y recrear al público, evitando las emociones fuertes tan típicas del Barroco.
El rococó se caracteriza por:
    • Melodías cortas, a menudo separadas por silencios y llenas de adornos.
    • Ritmo repetitivo.
    • No se usa el contrapunto.
    • El instrumento característico es el clavicémbalo (clave).

Autores importantes son los franceses

• Jean-Philippe RameauFrançois Couperin.
• Jean-Philippe Rameau.
• Jacques Martin Hotteterre.

4. EL EMPFINDSAMER STIL O ESTILO EXPRESIVO (SENSIBLE)
De origen alemán, este estilo galante valora más el clima sentimental y la atmósfera en la obra. Buscaba expresar sentimientos naturales y verdaderos, y para ello se daban cambios bruscos de modo y atmósfera en la misma obra.

Lo importante era la expresión de la emoción y los afectos a través de la música. Se caracteriza por lo siguiente:

• Usar los silencios expresivos y el contrapunto.
• Usar la sorpresa en armonías abruptas, el cromatismo y los giros inusuales en las melodías.
• El ritmo suele ser a menudo nervioso.
• Las frases no son tan decoradas como en el Galante francés o Rococó.

Los principales compositores son dos de los hijos de J.S.Bach:

• Carl Philip Emmanuel Bach, quien dijo que la música era para tocar el corazón y mover los afectos y Wilhelm Friedemann Bach.
• Otros compositores de este estilo son: Joaquim Quantz (flautista), Franz Benda (violinista) y Johann Schobert (clavecinista)

5. ESTILOS PRECLÁSICOS
5.1. LA ESCUELA DE MANNHEIM
En la ciudad alemana de Mannheim el compositor Stamitz  formó una orquesta de 42 músicos que gracias a su alta disciplina y precisión destacó en toda Europa. Se caracterizaba por hacer crescendos y diminuendos muy precisos, con golpes de arco uniformes. Se desarrolla la instrumentación ya que se amplía con más instrumentos.
Los compositores más importantes fueron el propio Johann Stamitz, Christian Cannabich y los hijos de Stamitz y de Cannabich, entre otros.

5.2.LA ESCUELA DE VIENA
En Viena se funda el movimiento preclásico creando una música bien humorada y lírica, rasgos muy típicos del estilo de Mozart. Se incluye el minueto (danza barroca) como tercero de cuatro movimientos en las sinfonías. Otro compositor,
Georg Matthias Monn, introduce el segundo tema en las sinfonías, que junto con Georg Christoph Wagenseil, son los principales exponentes de este estilo.

5.3. LA ESCUELA DE BERLÍN
La corte de Federico el Grande agrupa compositores como C.P.E. Bach y Franz Benda que usan el contrapunto. Las sinfonías son en tres movimientos, al estilo italiano. Inician la técnica del desarrollo temático, es decir, toman un tema musical y lo expanden. Otro compositor importante es Johann Joachin Quantz.

5.4. LA ESCUELA ITALIANA
Con esta escuela surge la sinfonía tal cual la conocemos hoy y que poco a poco fue sustituyendo al concerto desde 1740. La sinfonía en sus comienzos era una obertura antes de la ópera, o un entre acto. En este estilo italiano las melodías son un poco más largas y cantables. Los principales compositores son:

• Giovanni Battista Sammartini, quien, en 1734, fue el primero que presenta una sinfonía en 4 movimientos.
• Niccolò Jommelli.

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO 3.10

1. ¿Cómo se llama el estilo que hace el transito del Barroco al Clasicismo?
2. ¿Qué significados musicales tiene asociada la palabra "galante" en el siglo XVIII?
3. ¿Cómo era la melodía y la armonía del Estilo Galante?
4. ¿Qué abunda en las melodías rococós y cuál es el instrumento más característico?
5. Lista tres medios usados por los compositores del Empfindsamer Stil para emocionar con su música.
6. Nombra los dos compositores más importante del Empfindsamer Stil y un flautista.
7. ¿Qué destaca en la ciudad de Mannheim? Nombra su intérprete más notable.
8. ¿Qué estilo es lírico y bienhumorado parecido al de Mozart? Nombra un compositor.
9. ¿Qué es el desarrollo temático? ¿En qué escuela se desarrolla?
10. ¿Qué forma musical fue sustituyendo al concerto barroco? Nombra su escuela.

ENLACES

GALANTE

J.C. BACH

• https://www.youtube.com/watch?v=xIDvCWgrXmE
• https://www.youtube.com/watch?v=ava1CFiBjZc

C.P.E. BACH:
https://www.youtube.com/watch?v=38rP-_bGpzA

ROCOCÓ

• RAMEAU: https://www.youtube.com/watch?v=TfQJZ76WR0U
• COUPERIN: https://www.youtube.com/watch?v=DzoFKG7ITRg
• COUPERIN: https://www.youtube.com/watch?v=fqN4YMUfHf8
• COUPERIN: https://www.youtube.com/watch?v=Xssz4zRARt0
• C.P.E. BACH: https://www.youtube.com/watch?v=38rP-_bGpzA
• https://artehistoria.online/rococo/musica-rococo/

EMPFINDSAMER STIL

• C.P.E. BACH: ver pdf obras: https://recursos.march.es/culturales/documentos/conciertos/12_38430.pdf
• C.P.E. BACH: https://www.youtube.com/watch?v=4An3rBCu1cQ
• C.P.E. BACH: https://www.youtube.com/watch?v=v1whuFv-QCY
• C.F. ABEL: https://www.youtube.com/watch?v=5WFBaIbcsTU

ESCUELA DE MANNHEIM:

• JOHAN STAMITZ: https://www.youtube.com/watch?v=GXINt6w1H74

ESCUELA DE VIENA

• MATTHIAS MONN: https://www.youtube.com/watch?v=9Z3_xuqr-QQ
• MATTHIAS MONN: https://mldd.blogspot.com/2017/04/georg-matthias-or-matthias-georg-monn.html

ESCUELA ITALIANA

• SAMMARTINI: https://www.youtube.com/watch?v=btsMAXzj5kk
• SAMMARTINI: https://www.youtube.com/watch?v=frLNNpyHxIg

EXPLICACIÓN 3.11: EL BAJO CIFRADO y BAJO CONTINUO
EL BAJO CIFRADO Y BAJO CONTINUO
El bajo cifrado es un sistema de cifras (números) escritas debajo de las notas. Sirve para tocar acordes sin que haya que escribir todas las notas del acorde. Es como un "atajo". La razón de esto es que si un acorde tiene muchas notas, en vez de escribirlas todas en el pentagrama, se escribe la más grave y algunos números que nos indican todas las demás notas. Se usaba en el Barroco en las partituras de instrumentos que hacían el acompañamiento musical, llamado continuo, tocado por un clavecín generalmente.

¿Como se hace?
Si la nota más grave fuera un DO con un 5 debajo, significa que se toca el DO (nota escrita en el pentagrama), y además se toca la 5ª nota desde el DO, es decir, el SOL.  --> DO re mi fa SOL (El sol es la 5ª nota desde el Do)

Por otra parte, además de la 5ª nota mencionada se toca también la 3ª desde el DO, o sea el MI. ¿Porqué razón se toca el MI si no hay ninguna cifra que lo indique? La respuesta es que la 3ª del acorde nunca se cifraba cuando había un 5 arriba porque se aceptaba que todos los acordes llevaban la 3ª, y como siempre la llevaban no hacía falta cifrarla con un 3.

Algunos cifrados son: el 5, el 6, el 3 debajo de un 6, el 4 debajo de un 6, y otros más. Cuando hay más números se realizan (tocan) todas las notas que indican esos números. Siempre contando a partir del bajo.
 
Atención, el 3 no se escribe cuando hay un 5 solo, o un 6 solo, ya que en este último caso el bajo es la tercera del acorde y el 6 es la fundamental del acorde. (Fundamental significa la nota que da el nombre al acorde)

Ejemplos resueltos:
¿La nota RE con un 5 debajo, que significaba?

Respuesta: significaba que había un acorde y que se tocaba la 3ª (que no aparece en el cifrado por ser la 3ª del acorde) y la 5ª contando a partir del RE. Las notas realizadas eran: RE FA LA (1ª, 3ª y 5ª).

¿La nota RE con un 6,3 debajo, que significaba?
Respuesta: significaba que había un acorde y que se tocaba la 4ª y la 6ª contando a partir del RE. Las notas realizadas eran: RE FA SI (1ª, 3ª y 6ª).

PREGUNTAS

1. ¿La nota MI con un 5 debajo, que significaba?
2. ¿La nota SOL con un 5 debajo, que significaba?
3. ¿La nota LA con un 6,3 debajo, que significaba?
4. ¿La nota MI con un 6,3 debajo, que significaba?
5. Poner un ejemplo de 6,4.
6. ¿Qué tienen en común las notas de los acordes que se forman al realizar los cifrados de la foto 1?

EXPLANATION 3.1: MUSICAL BAROQUE: INTRODUCTION
MUSICAL BAROQUE
The musical Baroque period is considered to begin in 1600 and ends in 1750 with the death of one of the great Baroque musicians: Johann Sebastian Bach. The Baroque can be periodized into three parts: Early Baroque (1580-1630), Middle Baroque (1630-1680), and Late Baroque (1680-1730). There was also a transition to the subsequent period, the Classical period, from 1730 to 1750.

The Baroque is a period in the history of music - and the arts in general - with marked characteristics, such as a taste for ornamentation, decoration, and expressiveness. During the 150 years of the Baroque period, a variety of musical styles emerged that cannot be completely encapsulated under the term "Baroque". This is due to the diversity of approaches, forms, and genres that composers explored during this time. In terms of countries, Italy's musical influence and primacy were felt in all other countries, even those that developed their own styles.

MUSIC AND SOCIETY
During this time, the Church and the nobility are no longer the only ones who can have music made by professionals. Now, the bourgeoisie can also enjoy this privilege, especially with the emergence of opera, which attracts people outside the upper classes. With the advent of opera, vocal music leans more towards the secular. However, new religious compositions also emerge, such as cantatas, oratorios, and passions, created by musicians like Handel, Telemann, and Bach.

INSTRUMENTAL MUSIC
During the Baroque period, instrumental music develops and establishes its own identity. Unlike the Renaissance, where it had a minor role, in this period, instrument-making by skilled luthiers increases in quantity and quality. This makes instruments more accessible and popular among all social classes with resources. Additionally, Baroque composers create works of greater duration and complexity, leading to new musical forms such as the sonata and concerto, which are exclusively instrumental compositions.

COMPREHENSION QUESTIONS FOR TEXT 3.1

1. When does the Baroque period begin and end?
2. What is the significance of the year 1750 in the Baroque period?
3. How is the Baroque period periodized?
4. What artistic characteristics does the Baroque display?
5. How did the audience for music evolve during the Baroque period?
6. What three types of religious works are composed in the Baroque period?
7. What musical genre consolidates during the Baroque period?
8. Why does instrumental music thrive during the Baroque period?
9. What is a luthier and what importance did instruments have in society?
10. What differences exist between Renaissance instrumental music and Baroque instrumental music?

EXPLANATION 3.2: THE BIRTH OF OPERA
1. THE FLORENTINE CAMERATA
Girolamo Mei, a Florentine intellectual, along with a group of poets, musicians, and humanists led by Count Bardi in Florence, gathered for literary gatherings at his house. Convinced that in ancient Greek theater the entire text was sung, this group, known as the Florentine Camerata, promoted the revaluation of Greek music and attempted to imitate what they believed was ancient Greek theater music.

From these experiments emerged the first operas. According to them, this type of music should be monodic, a single melodic voice accompanied instrumentally, to perfectly express the poetic line and emotional message of the text. They considered that polyphony could not achieve this, generating an unintelligible chaos with overlapping voices. Among the members of the Florentine Camerata were musicians such as Vicenzo Galilei (father of Galileo Galilei), Giuglio Caccini, Jacoppo Peri, and the poet Ottavio Rinuccini, among others.

2. OPERA'S BACKGROUND AND THE FIRST OPERAS
Opera is a drama that combines soliloquies, dialogues, music, scenes, and action. The association between music and drama dates back to ancient Greece. In the Middle Ages, liturgical dramas depicted biblical scenes, and during the Renaissance, "intermedi," short pastoral or mythological interludes, were performed between acts of a theatrical work, weddings, or celebrations. In the Baroque era, music and drama developed through opera.

Opera is a musical drama. For composers of the 1600s, such as Peri, Caccini, and Monteverdi, the voice accompanied by instruments was the ideal means to develop what would later be called opera. In 1597, Peri composed "Dafne," considered the first opera in history, although unfortunately it has been lost, with only the text and some musical fragments preserved. Later, around 1600, others emerged such as:

• "Euridice" by Peri and Caccini (jointly, but later each made their own version).
• "Rappresentatione di anima et di corpo" by Emilio de Cavalieri.

Later, in 1607, Claudio Monteverdi, influenced by the works of Peri and Caccini, premiered in Mantua (Italy) the opera "Orfeo," composed in 5 acts. This work, characterized by a greater use of instruments, is recognized as the first important opera in the history of music.

3. THE RECITATIVE STYLE
Operas of this early Baroque period used a style of singing that was halfway between singing and speaking. The style was called recitative and was chosen by Peri and Caccini to create their first operas. With this style, composers could make the text expressive. The text of both versions of the opera "Euridice" was by Ottavio Rinuccini.

COMPREHENSION QUESTIONS FOR TEXT 3.2

1. Who was Girolamo Mei and what role did he play in the birth of opera?
2. What was the fundamental belief of the Florentine Camerata about music in Greek theater?
3. What emerged from the experiments of the Florentine Camerata?
4. What characteristics did music need to have according to the Florentine Camerata to adequately express the text?
5. What is opera and what is its historical origin?
6. What relationship did composers of the 17th century establish between voice and instruments in opera?
7. What operas are considered some of the earliest in history and who were their composers?
8. What singing style predominated in early Baroque operas and who used it in their works?
9. What characteristic distinguishes the recitative style used in early Baroque operas?
10. Which opera did Claudio Monteverdi compose and what was its importance in the development of Baroque opera?

EXPLANATION 3.3: THE ARIA. THE ARIA DA CAPO AND OTHER TYPES OF ARIAS
1. THE ARIA
The aria in operas is the part sung by the soloist. It contrasts with the recitative, which uses a recitative style, something between spoken and sung. With arias, the composer shows and exploits the dramatic and emotional situations of the text. During the aria, the plot may temporarily pause while the character expresses their thoughts, emotions, or internal dilemmas through music.

In arias, performers showcase their vocal technique. They show off, sometimes excessively, which prompted criticism from poets and musicians due to these excesses. Often arias were sung by castrati: male sopranos subjected to a surgical operation to prevent their voice from changing during adolescence. One of them, the most famous, Farinelli, acquired international fame for his great technique and vocal expression. He lived twenty-five years in Spain.

2. THE ARIA DA CAPO
The Aria Da Capo is a vocal work in three parts or sections (tripartite form). It began to be used in the Baroque period in operas, oratorios, and cantatas. The form is A - B - A', with the last part being a repetition of the first. With the da capo aria, the composer ensured that the singers, especially the castrati, sang at least once the notes he had written in the score, that is, part A, since they were known for changing the notes of the score a lot through their extreme vocal virtuosity. The sections of the da capo aria are:

• The first section is a complete musical entity, that is, it could be sung alone and musically would make complete sense as it ends on the tonic. The tonic is the first degree or note of a scale.

• The second section contrasts with the first in tonality, texture, mood, and sometimes in tempo (speed).

• The third section is a Da Capo, that is, a return to repeat the first section from the beginning. The composer generally did not write it again, but wrote the words "Da Capo" to go back to the beginning and repeat the section. The performer, to avoid repeating it exactly the same, ornamented it with embellishments or variations as improvisation. In the Baroque period, much of what was played or sung was not written in the score, and performers improvised various embellishments according to the style of the time.

3. OTHER TYPES OF ARIA
Arias could be not only "Da Capo" but also "Dal Segno" (from the sign) where part of section A is repeated, depending on where a specific sign is placed.
Arias with AB form, that is, binary form.
Binary arias, but extended: ABB'. Part B is extended into another: B'.
Arias according to their character: such as the "aria di bravura" so called for its technical difficulty or the "aria buffa," for being comic.

COMPREHENSION QUESTIONS FOR TEXT 3.3

1. What is an aria and what does the composer show in them?
2. How many parts does the Aria Da Capo have?
3. Why is it said that the first section could be performed alone?
4. What is the tonic of a work?
5. How does the second section differ from the first in the Aria da Capo?
6. How do the first and third sections differ in the Aria da Capo?
7. What is a Da Capo?
8. What could Baroque performers do that was not in the score?
9. Name 3 types of arias.
10. Of the three types of arias, which one is the most difficult?

EXPLANATION 3.6: INSTRUMENTAL MUSIC IN THE BAROQUE ERA

1. INSTRUMENTAL MUSIC IN THE BAROQUE ERA
Unlike the Renaissance, where instruments mainly accompanied singing, during the Baroque era, instrumental music evolved significantly in many aspects. While the Renaissance was primarily the age of vocal music (Renaissance polyphony), in the Baroque era, instruments gained independence from the voice, and music composed for solo instruments became more prominent. This trend had already started in the Renaissance but became especially significant in the Baroque era. Concertos for soloists and orchestra, as well as important pieces for solo instruments like the harpsichord, organ, violin, cello, flute, and lute, were composed during this time.

2. INSTRUMENTS IN THE BAROQUE ERA
Manufacturers (luthiers):
During this period, instrumentalists were highly skilled, having improved technically compared to the Renaissance. Instruments themselves also saw a leap in quality. Some luthiers (manufacturers) crafted high-quality stringed instruments, which are now unique and highly valuable pieces (such as Stradivarius, Guarnieri) or Ruckers harpsichords.

Regarding the instruments:

• Church organs underwent significant improvements, with their pipes and registers being expanded. Registers, which provide different sounds (such as flutes, trumpets, etc.), were activated by pull knobs located near the keyboard.
• Keyboard instruments (harpsichord), as well as string instruments (lute), played crucial roles as accompanying instruments or as soloists. They accompanied using the basso continuo technique, which involves improvising sounds based on chords written with specific numerical symbols.

The function of instruments was not just to accompany the voice, as in the Renaissance, but also to replace it, essentially treating the instrument as if it were a human voice, composing melodies for the instrument to "sing."

In the Baroque era, there was a greater awareness of timbre (the quality of sound by which one recognizes a particular instrument). In this aspect, there was a preference for combining timbres (orchestration) and textures (counterpoint, imitation, homophony, etc.).

3. MUSIC THEORY AND INSTRUMENTAL PRACTICE
As there were musicians analyzing music in-depth, they developed theories on various musical aspects: instrument tuning, tonality, harmony, counterpoint, and the art of playing instruments, among others. Instrumental practice greatly benefited and developed thanks to these theoretical books. Some examples include:

• Harmony: "Treatise on Harmony" by Jean-Philippe Rameau.
• Counterpoint: "Gradus ad Parnassum" by Johann Joseph Fux.
• Playing the harpsichord: "Essay on the True Art of Playing Keyboard Instruments" by Carl Philipp Emanuel Bach.

4. MOST IMPORTANT MUSICAL FORMS
Some significant forms of instrumental music can be classified into two periods:

Until 1650, there were numerous styles:

1. Works in continuous and discontinuous imitative style:
   • continuous (fugue, fantasy, fancy, capriccio, ricercar, etc.)
   • discontinuous, meaning in sections (canzona, sonata).
2. Works where a melody is given and then varied (partita, passacaglia, chaconne, chorale partita, and chorale prelude).
3. Dances. If several are arranged one after the other, it is called a "suite."
4. Works in an improvisational style, usually for keyboard or lute (toccata, fantasy, prelude).

After 1650, music was characterized either by keyboards or groups of instruments (ensembles):

• Keyboard music: toccata (prelude, fantasy); variations; passacaglia and chaconne; suite and sonata (after 1700); arrangements of liturgical music and Lutheran chorales.
• Ensemble music: sonata (sonata da chiesa), suite (sonata da camera); concerto and symphony.

COMPREHENSION QUESTIONS FOR TEXT 3.6

1. What independence is given to instruments in the Baroque era compared to the Renaissance?
2. What types of compositions were written for instruments during the Baroque era?
3. Name a string instrument maker and a keyboard instrument maker.
4. How did Baroque organs improve?
5. What is the basso continuo?
6. What were Baroque musicians aware of regarding timbre?
7. Name three musical aspects that were theorized about.
8. Name three continuous imitative works starting with "F."
9. Name two works where a melody is varied.
10. What is a suite and a fantasy?

EXPLANATION 3.9: THE BAROQUE IN SPAIN

17TH CENTURY
The transition from Renaissance music to Spanish Baroque was gradual. In the religious sphere, music did not allow for significant innovations, and since there wasn't a major music printing press, compositions did not extend beyond the local sphere.

Religious Music:
Psalm compositions, motets, and masses were composed, with Sebastián Durón (d. 1716) being the last of the Baroque masters of the 17th century. Polyphony was used as a musical resource, meaning several choirs sang simultaneously, sometimes up to five choirs. Juan Bautista Comes stands out in this technique.

Another genre was the sacramental auto. These were religious theatrical works, usually in one act, with allegorical or doctrinal themes. They were often performed outdoors during Corpus Christi festivities. Little is known about them as the music has been lost.

Scenic Music: Zarzuela and Opera
In secular music, there was an increase in scenic music, particularly zarzuelas and music for theater works by Lope de Vega, Calderón de la Barca, and Tirso de Molina. These works included musical interludes that later evolved into tonadillas and zarzuelas.

Zarzuela originated in Madrid under the patronage of Philip IV, who hired professional actors for entertainment in the palace gardens after hunting. They were short theatrical works with significant sung parts. With Calderón de la Barca, zarzuela transformed into a two-act play with sung and acted parts. The themes were similar to those of opera: mythology, legendary events involving demigods and monarchs. Sebastián Durón is the main composer.

The operatic genre was not successful in the 17th century. With Juan Hidalgo, the opera "Jealousy Still Kills the Air" in 1660 is the first opera with preserved music, although in 1622, "The Glory of Niquea" by Mateo Romero was performed, but its music is lost. In addition, in 1627, the texts of Lope de Vega with "The Loveless Forest", music by Piccini, an Italian, and Calderón de la Barca with "The Purple of the Rose", music by Juan Hidalgo, stand out.

Other genres and their composers
The most important are:

• Organ music: Francisco Correa de Araujo and Juan Cabanillas.
• Villancicos: Juan Bautista Comes.
• Baroque guitar: Gaspar Sanz and Francisco Guerau.

18TH CENTURY
In the 18th century, music continued to be produced in the same places as in the Renaissance and also in theaters. That is, it was made in the Church, the Court, the Houses of Nobility (House of Alba, House of Benavente), and Theaters. With the Enlightenment movement at the end of the Baroque era and the advent of the Bourbons (Philip V, Ferdinand VI, Charles III), there was a regeneration of cultural life in Spain permeated by foreign influences, especially from Italy.

Opera and Other Genres
The opera "The War of the Giants" in 1702 by Sebastián Durón is the last Spanish opera composed before the invasion of Italian opera, which dominated the entire 18th century.

In other genres, the following stand out:

• In religious music, the main composers are: José de Torres, Antonio Literes, and Francisco de Nebra.
• In instrumental music, Italians settled in Spain: Luigi Boccherini (quintets) and Domenico Scarlatti (sonatas), who was the queen Mª de Bragança's teacher.
• Father Antonio Soler, a teacher of the royal children, with works for organ, quintets, and sonatas.
• The guitarist Santiago de Murcia, author of the last guitar book published by the tablature system.
• The castrato Farinelli, in the Spanish court of Ferdinand VI.

COMPREHENSION QUESTIONS FOR TEXT 3.9

1. Name two composers of religious music from the 17th century.
2. Indicate 3 aspects of sacramental autos.
3. Which three literary authors stood out in theater in the 17th century?
4. With which king was zarzuela created, and where were they performed?
5. How many acts did the first zarzuelas have, and what were their themes?
6. Make a list ordered by dates of operas and their composers from the 17th century.
7. What instrument does Gaspar Sanz stand out in, and who is another important composer?
8. Name 4 production centers of music in the 18th century.
9. In which genre is the influence of Italian music noted in Spain?
10. Which two composers composed quintets, and who was Farinelli?

Links:

1. https://www.youtube.com/watch?v=dS7q_GvDP6A
2. https://www.youtube.com/watch?v=JrT3KNI2QLI
3. https://www.youtube.com/watch?v=uddV6z3YihQ
4. https://www.youtube.com/watch?v=hh27qSb2J_0
5. https://www.youtube.com/watch?v=KTZbP2TUBVQ
6. https://www.youtube.com/watch?v=qkyYB_4X70c

EXPLANATION 3.10: THE TRANSITION TO CLASSICISM: THE GALANT STYLE.
THE TRANSITION TO CLASSICISM
In the transition from late Baroque to Classicism, styles emerge that coexist and have certain common characteristics or small differences among them. They are grouped within the Galant Style. The word "galant" in the Baroque era referred to everything that was modern, smooth, and sophisticated. Socially, it referred to attitudes and manners of refined behavior of the cultured nobility. The styles of the Galant are: the Rococo style, the Empfindsamer style, and the style of composers from the schools of different countries.

THE GALANT STYLE IN MUSIC
Within the Galant Style, three phases occur, which often overlap: 1720-40 (Rococo); 1740-60 (Empfindsamer Stil); and 1760-80 (Pre-Classical Style). In music, "galant" meant "composing in a modern manner", i.e., like the modern Italian theatrical manner: periodic melodies with light accompaniment and accompanied by simple harmony with frequent pauses at cadences. The style is found in Italians such as Baldassare Galuppi (in his piano works), Giambattista Pergolessi (arias), Leonardo Vinci (arias), and keyboard works by Luigi Bocherinni and Domenico Scarlatti. In Germany, notable figures include George Philipp Telemann, Adolf Hasse, and Carl Philip Emmanuel Bach.

ROCOCO
It is a French style characterized by replacing the grand forms of the Baroque with smaller forms. It is a reaction against the Baroque to free itself from its rules. It seeks to distract and recreate the audience, avoiding the strong emotions typical of the Baroque. Rococo is characterized by:

• Short melodies, often separated by silences and full of ornaments.
• Repetitive rhythm.
• Counterpoint is not used.
• The characteristic instrument is the harpsichord.

Important authors include the French François Couperin, Jean-Philippe Rameau, and Jacques Martin Hotteterre.

THE EMPFINDSAMER STIL OR EXPRESSIVE STYLE
Of German origin, this Galant style values the sentimental climate and atmosphere in the work more. It sought to express natural and true feelings, and for this, abrupt changes of mode and atmosphere were given in the same work.

The important thing was the expression of emotion and affections through music. It is characterized by the following:

• Using expressive silences and counterpoint.
• Using surprise in abrupt harmonies, chromaticism, and unusual turns in melodies.
• The rhythm is often nervous.
• Phrases are not as decorated as in French or Rococo Galant.

The main composers are two of J.S. Bach's sons:

• Carl Philip Emmanuel Bach, who said that music was for touching the heart and moving the affections, and Wilhelm Friedemann Bach.
• Other composers of this style include Joaquim Quantz (flutist), Franz Benda (violinist), and Johann Schobert (harpsichordist).

PRE-CLASSICAL STYLES
5.1. THE MANNHEIM SCHOOL
In the German city of Mannheim, composer Stamitz formed an orchestra of 42 musicians that stood out throughout Europe thanks to its high discipline and precision. It was characterized by very precise crescendos and diminuendos, with uniform bow strokes. Instrumentation develops as it is expanded with more instruments. The most important composers were Johann Stamitz himself, Christian Cannabich, and the sons of Stamitz and Cannabich, among others.

5.2. THE VIENNA SCHOOL
In Vienna, the pre-classical movement is founded, creating a well-humored and lyrical music, very typical traits of Mozart's style. The minuet (baroque dance) is included as the third of four movements in symphonies. Another composer, Georg Mathias Monn, introduces the second theme in symphonies, which along with Georg Christoph Wagenseil, are the main exponents of this style.

5.3. THE BERLIN SCHOOL
Frederick the Great's court brings together composers like C.P.E. Bach and Franz Benda who use counterpoint. Symphonies are in three movements, in the Italian style. They initiate the technique of thematic development, that is, they take a musical theme and expand it. Another important composer is Johann Joachin Quantz.

5.4. THE ITALIAN SCHOOL
With this school, the symphony as we know it today emerges and gradually replaces the Baroque concerto from 1740. The symphony in its beginnings was an overture before the opera, or an interlude. In this Italian style, melodies are slightly longer and more singable. The main composers are:
Giovanni Battista Sammartini, who, in 1734, was the first to present a symphony in 4 movements.
Niccolò Jommelli.

COMPREHENSION QUESTIONS FOR TEXT 3.10

1. What is the style that makes the transition from Baroque to Classicism called?
2. What musical meanings does the word "galant" have associated with it in the 18th century?
3. What were the melody and harmony like in the Galant Style?
4. What abounds in Rococo melodies and which was its most characteristic instrument?
5. List three means used by composers of the Empfindsamer Stil to evoke emotions with their music.
6. Name the two most important composers of the Empfindsamer Stil and a flutist.
7. What stands out in the city of Mannheim? Name its most notable performer.
8. What style is lyrical and good-humored similar to Mozart's? Name a composer.
9. What is thematic development? In which school is it developed?
10. What musical form was replacing the Baroque concerto? Name its school.

EXPLANATION 3.11: FIGURED BASS AND CONTINUO BASS
FIGURED BASS AND CONTINUO BASS
Figured bass is a system of numbers written beneath the notes. It is used to play chords without having to write out all the notes of the chord. It serves as a "shortcut". The reason for this is that if a chord has many notes, instead of writing them all out on the staff, only the lowest note and some numbers indicating the other notes are written. It was used in the Baroque period in scores for instruments that provided musical accompaniment, known as continuo, typically played by a harpsichord.

How is it done?
If the lowest note is a C with a 5 underneath, it means that you play the C (the note written on the staff), and you also play the 5th note from the C, which is G. --> C D E F G (G is the 5th note from C)

Furthermore, in addition to the mentioned 5th note, you also play the 3rd note from the C, which is E. Why do you play E if there's no number indicating it? The answer is that the 3rd of the chord was never figured when there was a 5 above because it was assumed that all chords included the 3rd, and since they always included it, it wasn't necessary to figure it with a 3.

Some figured bass symbols are: 5, 6, 3 under a 6, 4 under a 6, and others. When there are more numbers, all the notes indicated by those numbers are played. Always counting from the bass note.

Attention, the 3 is not written when there is only a 5, or a 6 alone, since in the latter case, the bass is the third of the chord and the 6 is the root of the chord. (Root means the note that gives the name to the chord)

Solved Examples:
What did the note D with a 5 underneath mean?
Answer: It meant that there was a chord and that the 3rd (which is not shown in the figuring because it's the chord's 3rd) and the 5th were played, counting from D. The played notes were: D F A (1st, 3rd, and 5th).

What did the note D with a 6,3 underneath mean?
Answer: It meant that there was a chord and that the 4th and 6th were played, counting from D. The played notes were: D F B (1st, 3rd, and 6th).

COMPREHENSION QUESTIONS FOR TEXT 3.11

1. What did the note E with a 5 underneath mean?
2. What did the note G with a 5 underneath mean?
3. What did the note A with a 6 and a 3 underneath mean?
4. What did the note E with a 6 and a 3 underneath mean?
5. Give an example of a 6 and a 4.
6. What do the notes of the chords formed when performing the figured bass in phot 1 have in common?