EXPLICACIÓN 4.1: INTRODUCCIÓN AL CLASICISMO
1. EL CLASICISMO Y LA ILUSTRACIÓN
El período que comienza desde 1750 y que dura aproximadamente hasta 1820 se caracteriza en las artes por tener sencillez, simetría, proporción, equilibrio y unidad. Estas características también se aplican en música y las obras musicales son, por tanto, entendibles para un gran público.

 

En este periodo surge la Revolución francesa en 1789. Las ideas filosóficas y políticas de está época, llamada la Ilustración,  se manifiestan en el desarrollo de las ciencias aplicadas, de los derechos igualitarios, la libertad del individuo y la educación universal. Estas ideas sostienen que el hombre obtiene el conocimiento verdadero a través de la razón. Esto  también se hacen sentir también en la música. Así, las obras son pensadas con estructuras bien definidas.

 

Los compositores más importantes fueron Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart. Algunas de las obras de Ludwig Van Beethoven también se incluyen en este período, si bien que se le considera un compositor del Romanticismo.

Estilo clásico en música
En cuanto a las características musicales se destacan, entre otras:

  • La melodía tiene gran protagonismo. Es cantable incluso cuando es compuesta para instrumentos. Las frases son simétricas en muchos casos y tienen una estructura muy característica: 8 compases en 2 frases de 4 compases cada una.
  • Tanto el ritmo como la armonía se simplifican en relación al Barroco. Los ritmos son regulares y no muy complejos.
  • Se abandona del bajo continuo (instrumento que acompañaba). El recitativo en la ópera se acompaña con la orquesta (recitativo accompagnato) en lugar de con el clave (recitativo secco).
  • Predomina la música instrumental y surge la sonata de tipo clásico.
  • Se usa la forma sonata (tipo de estructura musical más o menos fija) en las sinfonías y otras obras.

Los instrumentos
El clave decae en favor al piano a partir de 1790 por tener este último más volumen sonoro. Lo mismo le sucede a la viola da gamba en favor de violas y violonchelos. Se incluye el clarinete. Las orquestas crecen en cantidad y el grupo de cuerda es más ligero, dinámico y vivaz que en el Barroco. El número de integrantes solía ser: 6,6 2,3,1, en violines primeros, violines segundos, violas, chelos y contrabajos respectivamente. Los vientos madera eran aún inestables por las transformaciones mecánicas, se usaban para variar el timbre de las cuerdas. Las salas de concierto son más grandes y mejores. Otros instrumentos son: flautas y oboes, trompas, trompetas, fagot y timbales.
Destaca el cuarteto de cuerda en la música de cámara.

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO 4.1: Introducción al Clasicismo

  1. ¿Qué años abarca el Clasicismo musical?
  2. Nombra 4 características comunes a las artes del Clasicismo.
  3. ¿Qué dos compositores sobresalieron en este período?
  4. Nombra 3 características de la Ilustración.
  5. Según los racionalistas ¿de dónde obtiene primordialmente el hombre el conocimiento?
  6. ¿Cómo son las melodías de las obras clásicas?
  7. ¿Cómo se distribuye la frase musical en el Clasicismo?
  8. ¿Cómo suelen ser los ritmos del Clasicismo?
  9. ¿Qué de usarse en el Clasicismo y que afecta a la ópera?
  10. ¿Qué instrumentos son afectados por cambios?

 

ENLACES:

  • MOZART: Pequeña serenata nocturna: https://www.youtube.com/watch?v=wVSPUZR5NxE
  • MOZART: Pequeña serenata nocturna: (animación)https://www.youtube.com/watch?v=gTdd4wsPfVI
  • MOZART: Piano sonata: https://www.youtube.com/watch?v=qjk-YRuQZDE
  • MOZART: Obertura (animación): https://www.youtube.com/watch?v=Cfz5NAI29T8

EXPLICACIÓN 4.2: LA PRIMERA ESCUELA DE VIENA
1. LA PRIMERA ESCUELA DE VIENA
El centro musical más importante se desplaza a Viena y es en esta ciudad dónde trabajaron tres grandes compositores que estuvieron activos en el Clasicismo: Haydn, Mozart y Beethoven. Se les conoce como la primera escuela de Viena.

Haydn nace en 1732 y vive hasta los 77 años mientras Mozart nace en 1756 y muere a los 35. Los compositores en esta época aún no son independientes como lo serán en el Romanticismo y dependen del patronazgo de nobles, reyes o figuras eclesiásticas. Esperan que su música guste y se interprete con éxito comercial.

HAYDN
Fue el último de los grandes compositores que vivió bajo el patronazgo de la nobleza. Trabajó casi toda su vida para el conde de Eszterhazy en Hungría y en Viena. Se le conoce como el padre de la sinfonía, no por haberla inventado sino porque fijó su estructura y le dio una gran profundidad. Compuso más de 100 sinfonías y numerosa música de cámara. Al igual que Handel pasó algunos años en Londres en donde tuvo gran éxito.

MOZART
Fue niño un prodigio. Tocaba con gran soltura el clave y el violín a los ocho años de edad. Compuso su primera ópera a los doce años. Tuvo una vida corta aunque fecunda en obras, plasmadas en sinfonías, conciertos, sonatas, óperas, música de cámara, religiosa y obras para bodas, bautizos y fiestas a las que llamó "serenades" y "divertimentos". Murió a los 36 años en la más absoluta pobreza y fue enterrado en una fosa común.

BEETHOVEN
Músico independiente que no cedía ante ningún patrón. Manejó sus asuntos financieros con sabiduría. Conoció a Haydn, con quien tuvo algunas lecciones, y a Mozart, quien le auguró un brillante futuro. Fue la bisagra entre el Clasicismo y el Romanticismo por pertenecer a ambos períodos. Encarnó la figura de la victoria de la burguesía frente a la aristocracia. Creó un estilo muy personal que influenció a posteriores compositores. Su estilo hacía que la música fuera un modo de autoexpresión, con énfasis en lo impulsivo, lo revolucionario y lo misterioso, aspectos que forman la base del Romanticismo. Murió enfermo, probablemente de una enfermedad del hígado.

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO 4.2: La primera escuela de Viena

  1. ¿Para quien trabajó Haydn casi toda su vida?
  2. ¿Cuántos años vivió Haydn más que Mozart?
  3. ¿En qué género musical destacó Haydn sobre todo?
  4. ¿En qué fecha nace Mozart?
  5. ¿Que instrumentos tocaba Mozart de niño?
  6. ¿Cómo se llama la música de Mozart para bodas, bautizos y fiestas?
  7. ¿Cómo termina la vida de Mozart?
  8. ¿Por qué Beethoven es como una "bisagra"?
  9. ¿Qué características románticas tiene la música de Beethoven?
  10. ¿De qué murió Beethoven?

EXPLICACIÓN 4.3: LA SONATA CLÁSICA Y LA FORMA SONATA
1. LA SONATA CLÁSICA
La sonata clásica, como se encuentra en Haydn, Mozart y Beethoven, es una obra musical que generalmente tiene 3 o 4 movimientos de modos y tempos contrastantes. Sus tempos (velocidad) son: rápido – lento  – rápido, es decir, Allegro, Andante y Presto, por ejemplo, o bien Allegro, Adagio, Allegretto; etc. Si hay 4 movimientos suele haber un "minuetto" (danza) en uno de los movimientos centrales.

 

2. LA FORMA SONATA Y SU EVOLUCIÓN
En 1787 se describe que el primer movimiento de la sonata tiene 2 secciones. Son estas 2 secciones las que posteriormente recibieron el nombre "forma sonata". Es importante no confundir "sonata" que es la obra entera,  con "forma sonata" que es la forma que tiene el primer movimiento de la sonata.

 

Partes de la forma sonata
La forma sonata tiene 2 partes, cada una puede, o no, repetirse. La segunda parte, con los años, evolucionó y se dividió en dos. Así, debido a esta tripartición en total, desde 1830 hasta hoy, se acepta que la forma sonata tiene 3 partes.
Es, por tanto, una forma tripartita. Sus partes son:

  • Exposición (tema 1 + puente + tema 2) y se repite todo.
  • Desarrollo  (período de transición)
  • Reexposición (tema 1 puente + tema 2) y se repite desde el Desarrollo.

Evolución de la forma sonata a partir de la suite.
Las dos partes (1 y 2) son las dos partes que tenían las danzas de la suite barroca, cuyo esquema musical era:

  • |: parte 1 :| cuyo tema comienza en la tónica y termina en dominante. Se repite.
  • |: parte 2 :| cuyo tema comienza en la dominante y termina en la tónica. Se repite.

(El signo |: :| significa que se repite la sección)

 

Estas danzas en dos partes tenían un solo tema, eran monotemáticas. El equivalente al esquema anterior en la forma sonata es:

  • La primera parte - tiene 1 período o sección.
  • La segunda parte - tiene 2 períodos o secciones.

Se deduce de esto que la parte 2 de la danza barroca se alargó hasta transformarse en dos períodos secciones en la forma sonata. Cuando se dio este alargue las sonatas aún tenían solo un tema, pero alrededor de 1730 se comienzan a ver esbozos de segundos temas en las sinfonías. Su evolución fue de esta manera:

  • parte 1:  |: tema 1 en tónica  - tema 2 en dominante :|
  • parte 2:  |: tema 1 en dominante  - tema 2 en tónica :|

Posteriormente, en la parte 2 surge un pequeño período de transición al repetirse el tema 2 en tónica y volver al tema 1 en dominante. Quedando así:

  • parte 1:  |: tema 1 en tónica  - tema 2 en dominante :|
  • parte 2:  |: período de transición - tema 1 en dominante  - tema 2 en tónica :|

Ahora sí se aprecia que la forma sonata es en 3 secciones y con 2 temas. Forma tripartita bitemática.
Los tres períodos o secciones de la forma sonata (con sus temas y repeticiones) se llaman:

  • Exposición      (tema 1 + puente + tema 2)  se repite todo
  • Desarrollo        (período de transición)
  • Reexposición  (tema 1 puente + tema 2) se repite desde el Desarrollo.

A veces suele haber un puente entre los temas, y una "Coda" ("cola" en italiano) que es una pequeña parte extra, al final de cada sección.
Con Beethoven la forma sonata llega a su culminación al incorporar nuevos elementos en el Desarrollo. Este tipo de esquema musical se usará también para el primer movimiento de las sinfonías.  No todas las sonatas tienen forma sonata en el primer movimiento la sonata nº 11 de Mozart tiene forma de tema y variaciones en su primer movimiento.

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO 4.3: La sonata y la forma sonata

  1. ¿Cuántos movimientos tiene la sonata clásica?
  2. ¿Qué contrasta en los movimientos de la sonata clásica?
  3. ¿A qué se refiere el nombre 'forma sonata'?
  4. ¿Cuántas partes o secciones se acepta que tiene la forma sonata?
  5. ¿De dónde evoluciona la forma sonata?
  6. ¿Cuántas secciones y temas tienen la danzas barrocas?
  7. ¿En qué parte de la danza surge el período de transición que posteriormente se llamará Desarrollo?
  8. Nombra los 3 períodos o secciones de la forma sonata.
  9. ¿Qué es una coda?
  10. ¿Qué otra forma musical suele usar la forma sonata?

 

Enlaces:

 

Forma bipartita:

Forma sonata:

 

EXPLICACIÓN 4.4: EL CUARTETO Y EL QUINTETO DE CUERDAS
EL CUARTETO DE CUERDA
La idea musical para cuarteto de cuerda se basa en ser música escrita a cuatro partes solistas relativamente independientes y equilibradas en las que hay un diálogo entre ellas. Los instrumentos del cuarteto de cuerdas son dos violines, una viola y un violonchelo.


Es a partir de Haydn cuando la música para cuarteto de cuerda adquiere importancia. Con Haydn el cuarteto queda perfectamente definido como género. En ellos el compositor usa la forma sonata, establece la forma en 4 movimientos siendo el minueto el tercero de ellos, amplía las fronteras armónicas (op 76, 2º movimiento) y lo más importante es que los cuatro instrumentos tienen la misma importancia en el desarrollo de los temas. Algunos cuartetos importantes de Haydn son los opus (obras) 33, 54, 55 y 64 llegando a su esplendor en los opus. 76 y 77.


Mozart, quien admiraba enormemente los cuartetos de Haydn, compuso 6 cuartetos en honor a este, y aunque era un genio de la música de cámara sus cuartetos no superan a sus quintetos. No obstante, los cuartetos de Mozart demuestran una gran madurez artística al asimilar la esencia de Haydn sin ser un mero imitador de este.

 

EL QUINTETO DE CUERDA Y OTRAS AGRUPACIONES
El quinteto de cuerda es un cuarteto con otro instrumento más, que suele ser una viola  (quinteto de viola), o un violonchelo (quinteto de violonchelo) o menos común, un contrabajo. Otras opciones son con clarinete o piano. Como curiosidad, Haydn nunca compuso un quinteto de cuerdas.

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO 4.4

  1. ¿Cuántos solistas tiene un cuarteto de cuerda?
  2. ¿Quién dialoga en un cuarteto de cuerda?
  3. ¿Qué instrumentos forman un cuarteto de cuerda?
  4. ¿Cuándo adquiere importancia el cuarteto de cuerda?
  5. Nombra 2 aspectos que hacen importante al cuarteto en Haydn.
  6. ¿Qué  es un opus y cuáles en Haydn son importantes?
  7. Explica los cuartetos de Mozart y su relación con Haydn.
  8. ¿Qué es un quinteto de cuerda?
  9. ¿Qué instumentos tiene un cuarteto de viola?
  10. ¿Qué otras opciones de cuarteto hay?

Enlaces:

 

EXPLICACIÓN 4.5: LA MÚSICA SINFÓNICA EN EL CLASICISMO
LA MÚSICA SINFÓNICA EN EL CLASICISMO
La sinfonía clásica tiene sus orígenes en el período Barroco cuando en Italia existía como una obra antes de la ópera. Se llamaba obertura. Posteriormente, esta obertura se fue ampliando tanto en extensión, de 3 a 4 movimientos, como en su temática. Otras sinfonías iniciales se parecen a la sonata de iglesia que comenzaba con un movimiento lento y proseguía con tres movimientos más en la misma tonalidad.

 

HAYDN
Con Haydn la sinfonía adquiere prácticamente la forma tal cual la conocemos hoy en 4 movimientos. Compuso más de 100 sinfonías. Las primeras tienen técnicas de concerto grosso en los violines (concertino y ripieno) al estilo barroco. En otras muestra el estilo "Sturm und drang" (estilo emotivo y pasional), así como la forma sonata en movimientos lentos y el rondo-sonata en el último movimiento. Algunas tienen nombres como "La mañana", "El reloj", "Los adioses", "La sorpresa", que evocan el contenido musical de la sinfonía;  otras como  la 44, 45 (Los adioses) y 47 tienen estilo de Sturm und drang. La 77 es un Rondo-sonata;  las de los números 82 al 87 son del Periodo de París, y las del 93 al 104 son del Período de  Londres.

 

MOZART
Compuso 41 sinfonías. En algunas de ellas se nota la influencia de Haydn, a quien Mozart admiró e incluso dedicó algunas de sus obras. En las sinfonías de Mozart se advierten estos rasgos:

  • gran profusión de ideas.
  • color: participación más activa de trompas, oboes, flautas y clarinetes.
  • simetría.
  • temas B contrastantes con temas A al ser más líricos.

Como Haydn, el Sturm und Drang le influencia (sinfonía nº 25) así como el Empfindsamer Stil y la Escuela de Mannheim. Algunas de sus mejores sinfonías de la época en Viena son las llamadas Haffner, Praga, Linz y Jupiter. Las 3 últimas las compuso en un mes y medio.

 

BEETHOVEN
De las 9 sinfonías que compuso solo las dos primeras se consideran de estilo clásico. Sus aportes son:

  • las codas extensas y el relieve dado a los instrumentos de madera en la primera sinfonía.
  • un adagio muy extenso en el primer movimiento, así como abundante material temático y sustitución del minueto por un scherzo en la segunda sinfonía.

LA FORMA  DE LA SINFONÍA
Desde Haydn los tiempos o movimientos de una sinfonía se pueden generalizar así:

 

Primer movimiento o tiempo
La sinfonía suele usar la forma sonata en su primer movimiento aunque en el caso de Haydn suelen ser monotemáticas (un sólo tema). Los segundos temas aparecen a veces en el desarrollo.

 

Segundo movimiento o tiempo

Presenta varias estructuras: lied, sonata, tema y variaciones, etc. Puede aparecer en el lugar del primer tiempo

 

Tercer movimiento o tiempo
Generalmente es un minueto (tipo de danza) que a menudo incorpora elementos folklóricos. Tiene una sección llamada trío. Puede aparecer en el lugar del segundo tiempo.

 

Cuarto movimiento o tiempo
Suelen tener forma de rondó o de sonata. A veces aparecen fugas. Se usó por primera vez el rondó-sonata, es decir, una mezcla de las dos formas. En estas el desarrollo usa el contrapunto.

 

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO 5.5: La música sinfónica en el Clasicismo

  1. ¿De qué dos formas barrocas deriva la sinfonía clásica?
  2. ¿Quien es el "padre" de la sinfonía y cuántas compuso?
  3. ¿Qué aspecto de la música barroca se observa en algunas sinfonías de Haydn?
  4. Nombra algunas sinfonías conocidas de Haydn, por su opus o por su nombre.
  5. ¿Cuántas sinfonías compuso Mozart y qué compositor influencia algunas de ellas?
  6. Nombra 3 características de las sinfonías de Mozart.
  7. ¿Qué estilos pre-clásicos influencian las sinfonías de Mozart?
  8. Nombra  las tres sinfonías de Mozart que compuso en menos de 2 meses.
  9. ¿Cuántas sinfonías compuso Beethoven y cuántas son de estilo clásico?
  10. ¿Que forma se usa en el primer movimiento?

Enlaces:

EXPLICACIÓN 4.6: LA ÓPERA EN EL CLASICISMO: ÓPERA SERIA Y CÓMICA O “BUFFA”
1. LA ÓPERA SERIA Y BUFFA
En el clasicismo la ópera buscaba, tal como en los otros géneros, la simplicidad, la claridad, lo racional y la fidelidad a la naturaleza. Sin embargo, la ópera seria italiana, que aún era la más dominante, no representaba estos ideales puesto que en ella lo que prevalecía era la música y no la acción dramática. Así, imperaban tanto las arias da capo, entorpeciendo la acción acción dramática, como los castratti, que se lucían en ellas con sus malabarismos vocales. Todo esto restaba naturalidad y simplicidad al espectáculo. Hacia mediados de siglo XVIII había dos modelos de ópera seria: el francés y el italiano.


En paralelo a la ópera seria existía la ópera cómica (llamada buffa), muy popular en públicos no tan cultos como el aristocrático. Esta era de estilo más ligero que la ópera seria y con un presupuesto más bajo. A partir de 1760 la ópera cómica creció en importancia por ser más adecuada a las exigencias de naturalidad pedidas por el público. Sus elementos se incorporaron a la composición general de óperas.

2. DIFERENCIAS ENTRE LA ÓPERA SERIA Y LA CÓMICA ("BUFFA")
Ópera seria:

  • Los temas son mitológicos con escenas marciales o pastorales y ceremonias solemnes.
  • Los personajes van enparejados, son amantes, son aristocraticos o son figuras históricas.
  • Se resuelve el drama con un acto heroico o una gran renuncia de algún personaje.
  • Es en tres actos con alternancia de recitativos y arias.
  • Las arias son del tipo soliloquios, expresando sentimientos.
  • Hay pocos coros y algún dueto.
  • El recitativo "secco" es acompañado al clave e instrumento grave.
  • El Recitativo "acompagnato" usaba la voz y la orquesta y se usaba para situaciones dramáticas importantes.
  • La orquesta tiene un papel menor que el canto.

Ópera cómica o "buffa":

  • Los temas son mundanos, populares y estilo ligero; se parodia con frecuencia a la ópera seria.
  • Los personajes son burgueses y del pueblo (condes, condesas, criadas y criados, etc).
  • Los finales son felices por el uso de la razón, no por la divinidad.
  • Se reunen todos los personajes al final.
  • Se cantaba en la lengua nacional del país.
  • La música tiende a acentuar el lenguaje musical del país.
  • Se prefiere el recitativo "secco" aunque también se usa el orquestal o "accompagnato".

ÓPERA EN FRANCIA
El modelo operático serio francés venía de Rameau, que usaba elementos italianos como el aria da capo, y el bel canto, mezclados con rasgos franceses, como la declamación y el ballet. Los temas era mitológicos. En 1745 Rameau ya tiene elementos menos severos y anuncia el Rococó. Por otro lado existía el modelo cómico (opéra comique) con diálogos hablados, en lugar del recitativo, y canciones (números musicales). Los temas eran de la vida cotidiana y del campo. André Grétry con más de 50 óperas y André Philidor fueron importantes compositores de óperas.

En 1752 hubo gran polémica llamada "la querella de los bufones" entre los partidarios de los seguidores de Rameau y de los de la ópera buffa o cómica representados por Jean Jacques Rousseau que con su ópera "Le devin du vilage" (El adivino de la aldea) más "La serva padrona" (La criada patrona) del italiano Pergolessi desataron la polémica entre los dos bandos. Posteriormente, Luigi Cherubini, sobretodo con la ópera "Medée", refleja los altos ideales del individuo, la lucha por una humanidad mejor. Es la época de la Revolución Francesa y el tema del horror es frecuente por los sucesos que vivía Francia.


ÓPERA EN ITALIA
La ópera seria italiana con temas mitológicos, alegorías, ilusión y escenas maravillosas representa la moral, la justicia, la pasión y el amor. En su concepción la música es lo importante en detrimento del drama (el argumento). A mediados de siglo surgen críticas hacia este tipo de ópera y N. Jommelli y T. Traetta intentan una reforma de la ópera. Con esta reforma se consigue lo siguiente:

  • El aria da capo no se abandona, pero se modifica.
  • Aria y recitativo se alternan más flexiblemente para que la acción sea más real.
  • El recitativo "accompagnato" se usa más.
  • La orquesta se torna más importante.
  • Aparecen los coros, antes olvidados en la ópera italiana.
  • Se nota una resistencia generalizada ante las exigencias de los cantantes.

Este tipo de ópera tuvo una segunda reforma, por Gluck, de manera que el drama debía de ser lo más importante mientras que la música se subordinaba al drama. Con Gluck la ópera representaba elevadas emociones humanas: rasgo típico del clasicismo.

GLUCK Y LA REFORMA DE LA ÓPERA EN 1770
Con C.W. Gluck, en Francia, (operas "Orfeo", "Alceste") la ópera cambia radicalmente y pretende que la música esté al servicio de la poesía para la mejor expresión de los personajes y del argumento. Por este motivo:

  • La obertura guarda relación con la obra, no es una pieza desconectada.
  • La verosimilitud es importante.
  • El aria es sustituida por canciones estróficas pues el aria da capo con su vuelta al principio no favorece el avance de la acción.
  • La división entre aria y recitativo se diluye en favor de una homogeneidad.
  • El recitativo "acompagnato" sustituye al "secco", pero es expresivo.
  • La música se usa para caracterizar personajes o situaciones, no es un fin en sí misma.
  • El coro y el ballet se integran en la obra, no son adornos.

ÓPERA CÓMICA EN INGLATERRA
En Inglaterra la ópera cómica se identifica con la "ballad opera", género que se populariza enormemente tras el éxito en 1728 de la obra "The Beggars Opera" (La ópera del mendigo) de Johann Christoph Pepusch en la que se satiriza la ópera italiana al sustituir los personajes heroicos por mendigos, rateros y prostitutas. Thomas Arne es el compositor más notable de óperas cómicas, de tema romántico y sentimental. Arne destaca con más de 90 óperas, muchas de ellas perdidas en un incendio.

ÓPERA CÓMICA EN ALEMANIA
En Alemania a la ópera "buffa" se le llama "singspiel", de argumento ligero, los recitativos italianos se sustituyen por diálogos en alemán. El autor inicial en este género es Johann Adam Hiller. En el sur, en Viena, el estilo era animado y popular, influenciado por la ópera cómica italiana. En el norte el singspiel se asimiló a la ópera puramente alemana. Otro compositor es Karl Ditters von Dittersdorf más conocido por su música instrumental.

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO 4.6: Ópera seria y ópera cómica

  1. ¿Por qué la ópera seria italiana no representaba los ideales del clasicismo?
  2. Explica el florecimiento de la ópera cómica.
  3. Nombra tres características de la ópera seria y tres de la cómica que sean contrastantes entre sí.
  4. ¿Quiénes hicieron la primera reforma de la ópera en Italia? ¿Qué pretendían?
  5. ¿Qué hizo Gluck en relación a la ópera en Italia y Francia?
  6. ¿Nombra 3 aspectos musicales de la reforma de Gluck?
  7. ¿Qué nombre recibe la ópera cómica en Inglaterra y qué autor la populariza?
  8. ¿De qué trata "La ópera del mendigo" y qué satiriza?
  9. ¿Qué es un singspiel y cual es su característica principal?
  10. ¿Cómo era el estilo vieneś y qué influencia tenía?

 

Enlaces:

MOZART:

PERGOLESI:

GLUCK

EXPLANATION 4.1: INTRODUCTION TO CLASSICISM

CLASSICISM AND THE ENLIGHTENMENT
The period that begins around 1750 and lasts approximately until 1820 is characterized in the arts by simplicity, symmetry, proportion, balance, and unity. These characteristics also apply in music, and musical works are, therefore, understandable to a broad audience.

During this period the French Revolution emerged in 1789. The philosophical and political ideas of this era, known as the Enlightenment, are manifested in the development of applied sciences, equal rights, individual freedom, and universal education. These ideas maintain that man obtains true knowledge through reason. This influence is also felt in music. Thus, works are conceived with well-defined structures.

The most important composers were Joseph Haydn and Wolfgang Amadeus Mozart. Some of Ludwig van Beethoven's works are also included in this period, although he is considered a composer of Romanticism.

Classical style in music
Regarding musical characteristics, among others, the following stand out:

  • Melody plays a significant role. It is singable even when composed for instruments. Phrases are symmetrical in many cases and have a very characteristic structure: 8 measures in 2 phrases of 4 measures each.
  • Both rhythm and harmony are simplified compared to the Baroque. Rhythms are regular and not very complex.
  • The figured bass (accompanying instrument) is abandoned. Orchestral accompaniment is used for recitative in opera (recitativo accompagnato) instead of the harpsichord (recitativo secco).
  • Instrumental music predominates, and the classical sonata emerges.
  • The sonata form (a more or less fixed type of musical structure) is used in symphonies and other works.


Instruments

 

The harpsichord declines in favor of the piano from around 1790 because the latter has a louder volume. The same happens to the viola da gamba in favor of violas and cellos. The clarinet is included.

 

Orchestras grow in number, and the string section is lighter, more dynamic, and lively than in the Baroque. The number of members used to be: 6,6 2,3,1, in first violins, second violins, violas, cellos, and double basses, respectively.

 

Woodwind instruments were still unstable due to mechanical transformations; they were used to vary the timbre of the strings. Concert halls are larger and better. Other instruments include flutes and oboes, horns, trumpets, bassoons, and timpani. The string quartet stands out in chamber music.

 

COMPREHENSION QUESTIONS FOR TEXT 4.1

  1. What years does musical Classicism cover?
  2. Name 4 characteristics common to Classicism in the arts.
  3. Which two composers stood out in this period?
  4. Name 3 characteristics of the Enlightenment.
  5. According to rationalists, where does man primarily obtain knowledge?
  6. How are melodies in classical works?
  7. How is the musical phrase distributed in Classicism?
  8. What are the rhythms of Classicism usually like?
  9. What is abandoned in Classicism and what affects opera?
  10. Which instruments undergo changes?

EXPLANATION 4.2: THE FIRST VIENNA SCHOOL

 

1. THE FIRST VIENNA SCHOOL

The most important musical center shifts to Vienna, where three great composers who were active in the Classical period worked: Haydn, Mozart, and Beethoven. They are known as the first Vienna School.

Haydn was born in 1732 and lived to the age of 77, while Mozart was born in 1756 and died at 35. Composers during this time are not yet independent as they will be in the Romantic period and depend on the patronage of nobles, kings, or ecclesiastical figures. They hope their music will be liked and commercially successful.

 

HAYDN

He was the last of the great composers who lived under the patronage of the nobility. He worked almost his entire life for the count of Eszterhazy in Hungary and Vienna. He is known as the father of the symphony, not because he invented it but because he established its structure and depth. He composed over 100 symphonies and numerous chamber music pieces. Like Handel, he spent some successful years in London.

 

MOZART

He was a child prodigy. He played the harpsichord and violin with great ease at the age of eight. He composed his first opera at the age of twelve. He had a short but fruitful life, filled with works such as symphonies, concertos, sonatas, operas, chamber music, religious music, and works for weddings, baptisms, and parties which he called "serenades" and "divertimentos". He died at the age of 36 in utter poverty and was buried in a common grave.

 

BEETHOVEN

An independent musician who did not yield to any patron. He managed his financial affairs wisely. He met Haydn, from whom he had some lessons, and Mozart, who predicted a brilliant future for him. He was the bridge between the Classical and Romantic periods due to his belonging to both eras. He embodied the victory of the bourgeoisie over the aristocracy. He created a very personal style that influenced later composers. His style made music a mode of self-expression, emphasizing the impulsive, revolutionary, and mysterious aspects that form the basis of Romanticism. He died ill, probably from a liver disease.

 

COMPREHENSION QUESTIONS FOR TEXT 4.2

  1. For whom did Haydn work for almost his entire life?
  2. How many years did Haydn live longer than Mozart?
  3. In what musical genre did Haydn excel above all?
  4. On what date was Mozart born?
  5. What instruments did Mozart play as a child?
  6. What is the name of Mozart's music for weddings, baptisms, and parties?
  7. How did Mozart's life end?
  8. Why is Beethoven described as a "hinge"?
  9. What romantic characteristics does Beethoven's music have?
  10. What did Beethoven die of?

EXPLANATION 4.3: THE CLASSIC SONATA AND SONATA FORM
1. THE CLASSICAL SONATA
The classical sonata as found in Haydn, Mozart and Beethoven is a musical work that generally has 3 or 4 movements of contrasting moods and tempos. Their tempos (speed) are fast - slow - fast, like Allegro, Andante and Presto, or an Allegro, Adagio, Allegretto, etc. If there are 4 movements there is usually a "minuetto" (dance) in one of the central movements.

2. SONATA FORM AND ITS EVOLUTION
In 1787 it is described that the first movement of the sonata has 2 sections. It is these 2 sections that later received the name "sonata form". It is important not to confuse "sonata" which is the whole work, with "sonata form" which is the form of the first movement of a sonata.

The three parts of the sonata form
The sonata form has 2 parts, each one can be repeated, or not, but over the years the second part evolved and was divided into two parts. Thus, due to this three part form all in all, since 1830 until today it is accepted that sonata form has 3 parts. It is, then, a tripartite form.
Its parts are called:

  • Exposition (theme 1 + bridge + theme 2) in which everything is repeated from the beginning.
  • Development (transition period)
  • Recapitulation (theme 1 + bridge + theme 2). This time the repetition goes from the beginning of the Devolpment.      

Evolution of sonata form from the baroque suite:
The two parts (1 and 2) are the two parts that the dances of the Baroque suite had. The outline of a dance was:  (The |:   :| sign means that the section is repeated).

  • |: part 1: | theme begins in the Tonic and ends in Dominant. It repeats.
  • |: part 2: | theme begins in the Dominant and ends in the Tonic. It repeats.

These  two-part dances had only one theme, they were monothematic. The equivalent of the previous scheme in sonata form is:

  • The first part - has one period or section.
  • The second part - has two periods or sections.

When this extension occurred, sonatas still had only one theme, but around 1730 sketches of second themes began to appear in symphonies. Its evolution was as follows:

His evolution was like this:

  • | : Part 1 : | → |:theme 1 in the Tonic and theme 2 in the Dominant : |
  • | : Part 2 : | → |: theme 1 in Dominant and theme 2 in the Tonic : |

Subsequently, in part 2, a small transition period emerged when theme 2 is repeated in the Tonic and returns to   theme 1 in the Dominant. Like this:

  • |: part 1: | → |: Theme 1 in Tonic + Theme 2 in Dominant :|
  • |: part 2: |  → |: Transition period + Theme 1 in the Dominant + Theme 2 in Tonic :|

Now it can be appreciated that the sonata form is in 3 sections and has 2 themes. It is a three-part bithematic form.

The three periods or sections of the sonata form (with its themes and repetitions) are called:

  • Exposition (theme 1 + bridge + theme 2) everything is repeated from the beginning.
  • Development (transition period).
  • Recapitulation (theme 1 + bridge + theme 2)  repeated from the Development.

Sometimes there is usually a bridge between the themes, and a "Coda" ("tail" in Italian) which is a small extra part, at the end of each section.

With Beethoven the sonata form reaches its culmination by incorporating new elements in the Development. This type of musical scheme will also be used for the first movement of the symphonies. Not all sonatas have sonata form in the first movement; Mozart's No. 11 sonata that has theme and variations in its first movement.

COMPREHENTION QUESTIONS FOR TEXT 4.3

  1. How many movements does the classical sonata have?
  2. What contrasts in the movements of the classical sonata?
  3. What is referred to as sonata form?
  4. How many parts or sections are accepted to be in sonata form?
  5. From where does the sonata form evolve?
  6. How many sections and themes do Baroque dances have?
  7. In what part of the dance does the transition period arise that will later be called Development?
  8. Name the 3 periods or sections of the sonata form.
  9. What is a coda?
  10. What other musical form does the sonata form usually incorporate?

 

Links:

Two-part form:

Sonata form::

 

EXPLANATION 4.4: STRING QUARTET AND STRING QUINTET
String Quartet
The musical idea for a string quartet is based on four relatively independent and balanced solo parts in which there is a dialogue between them. The instruments of a string quartet are two violins, a viola, and a cello.

It's with Haydn that the music for string quartets gains importance. With Haydn, the quartet becomes perfectly defined as a genre. He uses the sonata form, establishes the structure in 4 movements with the minuet as the third movement, expands harmonic boundaries (Op. 76, 2nd movement), and most importantly, all four instruments have equal importance in the development of the themes.

Some important quartets by Haydn are Opus (works) 33, 54, 55, and 64, reaching their peak in Opus 76 and 77. Mozart, who greatly admired Haydn's quartets, composed 6 quartets in his honor. Although he was a chamber music genius, his quartets do not surpass his quintets. However, Mozart's quartets demonstrate great artistic maturity by assimilating Haydn's essence without merely imitating him.

String Quintet and other formations
The string quintet is a quartet with an additional instrument, which is usually a viola (viola quintet) or a cello (cello quintet), or less commonly, a double bass. Other options include clarinet or piano. Interestingly, Haydn never composed a string quintet.

COMPREHENSION QUESTIONS FOR TEXT 4.4

  1. How many soloists does a string quartet have?
  2. Who engages in dialogue in a string quartet?
  3. What instruments form a string quartet?
  4. When does the string quartet gain importance?
  5. Name 2 aspects that make the quartet important in Haydn's works.
  6. What is an opus and which ones are important in Haydn's works?
  7. Explain Mozart's quartets and their relationship with Haydn.
  8. What is a string quintet?
  9. What instruments does a viola quartet have?
  10. What other quartet options are there?

EXPLANATION 4.5: SYMPHONIC MUSIC IN CLASSICISM
SYMPHONIC MUSIC IN CLASSICISM
Classical symphony has its origins in the Baroque period when in Italy it existed as a work before the opera. It was called overture. Subsequently, this overture expanded both in length, from 3 to 4 movements, and in its themes. Other early symphonies resemble the church sonata, which began with a slow movement and continued with three more movements in the same key.

HAYDN
With Haydn, the symphony practically acquires the form as we know it today in 4 movements. He composed over 100 symphonies. The first ones have concerto grosso techniques in the violins (concertino and ripieno) in the Baroque style, in others he shows the "Sturm und Drang"  (emotional and passionate style) style, as well as sonata form in slow movements and rondo-sonata in the last movement. Some have names like "Morning", "Clock", "The Farewells", "The Surprise" which evoke the musical content of the symphony. Others like 44, 45 (The Farewells), and 47 have the Sturm und Drang style. No. 77 is a Rondo-sonata, those from 82 to 87 are from the Paris Period and those from 93 to 104 are from the London Period.

MOZART
He composed 41 symphonies. In some of them, the influence of Haydn is noticeable, whom Mozart admired and even dedicated some of his works to. In Mozart's symphonies, these characteristics are observed:

  • great profusion of ideas.
  • color: more active participation of horns, oboes, flutes, and clarinets.
  • symmetry.
  • contrasting B themes with A themes being more lyrical.

Like Haydn, Sturm und Drang influences him (Symphony No. 25) as well as the Empfindsamer Stil and the Mannheim School. Some of his best symphonies from the Vienna period are the Haffner, Prague, Linz, and Jupiter symphonies. He composed the last three ones in a month and a half.

BEETHOVEN
Of the 9 symphonies he composed, only the first two are considered classical in style. His contributions are:

  • extensive codas
  • prominence given to woodwind instruments in the first symphony.
  • a very extensive adagio in the first movement,
  • abundant thematic material
  • substitution of the minuet by a scherzo in the second symphony.


THE FORM OF THE SYMPHONY
Since Haydn, the movements of a symphony can be generalized as follows:

First movement
The symphony usually uses sonata form in its first movement although in the case of Haydn they are usually monothematic (only one theme). Second themes sometimes appear in the development.

Second movement
It presents several structures: lied, sonata, theme and variations, etc. It can appear swapped with the first movement movement.

Third movement
Generally, it is a minuet (type of dance) that often incorporates folk elements. It has a section called trio. It can appear in the place of the second movement.

Fourth movement
They usually have a rondo or sonata form. Sometimes fugues appear. The rondo-sonata was first used, that is, a mixture of the two forms. In these, the development uses counterpoint.

COMPREHENSION QUESTIONS FOR TEXT 4.5

  1. From which two Baroque forms does the classical symphony derive?
  2. Who is the "father" of the symphony and how many did he compose?
  3. What aspect of Baroque music is observed in some symphonies by Haydn?
  4. Name some well-known symphonies by Haydn, by their opus or by their name.
  5. How many symphonies did Mozart compose and which composer influenced some of them?
  6. Name 3 characteristics of Mozart's symphonies.
  7. What pre-classical styles influence Mozart's symphonies?
  8. Name the three symphonies by Mozart that he composed in less than 2 months.
  9. How many symphonies did Beethoven compose and how many are classical in style?
  10. Which form is used in the first movement?

Links:

  • Haydn "El reloj": https://www.youtube.com/watch?v=CF1F8S7VOAg
  • Haydn Nº44. Sturm und Drang https://www.youtube.com/watch?v=h3mYvbGiyL0
  • Haydn Nº45. Sturm und Drang https://www.youtube.com/watch?v=OpD9ofCm6Ak
  • Haydn: Sinfonía los adioses: https://www.youtube.com/watch?v=GMaM6ivx8X8

 

EXPLANATION 4.6: OPERA IN CLASSICISM: SERIOUS AND COMIC OPERA OR "BUFFA"

SERIOUS OPERA AND BUFFA OPERA
During classicism, opera sought, as in other genres, simplicity, clarity, rationality, and fidelity to nature. However, Italian serious opera, which was still the most dominant, did not represent these ideals since what prevailed in it was music and not dramatic action. Thus, both da capo arias, hindering dramatic action, and castrati, who showcased their vocal acrobatics in them, were predominant. All of this detracted from the naturalness and simplicity of the spectacle. By the mid-18th century, there were two models of seria opera: the French and the Italian.

Parallel to serious opera, there was comic opera (called buffa), very popular among audiences less cultured than the aristocratic. This type of opera had a lighter style than serious opera and a lower budget. From 1760 onwards, comic opera grew in importance for being more suitable for the demands of naturalness required by the public. Its elements were incorporated into the general composition of operas.

DIFFERENCES BETWEEN SERIOUS AND COMIC ("BUFFA") OPERA
Serious Opera:

  •     Themes are mythological, with martial or pastoral scenes and solemn ceremonies.
  •     Characters are usually paired lovers, aristocrats, or historical figures.
  •     Conflict is resolved with a heroic act or a significant character sacrifice.
  •     Structured in three acts with a combination of recitatives and arias.
  •     Arias are soliloquies expressing emotions.
  •     Few choruses and some duets.
  •     Secco recitative is accompanied by harpsichord and a bass instrument.
  •     Accompanied recitative uses both voice and orchestra and is reserved for significant dramatic situations.
  •     The orchestra plays a secondary role compared to the singing.


Comic or "Buffa" Opera:

  •     Themes are mundane, popular, and light-hearted; often parodies of seria opera.
  •     Characters are bourgeois or common people (counts, countesses, maids, servants, etc.).
  •     Endings are happy, based on reason rather than divinity.
  •     All characters come together at the end.
  •     Sung in the national language of the country.
  •     Music tends to reflect the musical language of the country.
  •     Secco recitative is preferred, although orchestral or "accompagnato" recitative is also used.

    
OPERA IN FRANCE
The French serious operatic model came from Rameau, who used Italian elements like the da capo aria and bel canto, mixed with French features such as declamation and ballet. The themes were mythological. By 1745, Rameau already incorporated less severe elements and announced the Rococo. On the other hand, there was the comic model (opéra comique) with spoken dialogues instead of recitative, and songs (musical numbers). The themes were everyday life and the countryside. André Grétry, with more than 50 operas, and André Philidor were important opera composers.

In 1752, there was a great controversy called "the quarrel of the buffoons" between the supporters of Rameau's followers and those of the opera buffa or comic represented by Jean Jacques Rousseau, who with his opera "Le devin du village" (The Village Soothsayer) and "La serva padrona" (The Maid as Mistress) by the Italian Pergolesi triggered the controversy between the two sides. Later, Luigi Cherubini, especially with the opera "Medée", reflected the lofty ideals of the individual, the struggle for a better humanity. It was the time of the French Revolution, and the theme of horror was frequent due to the events France was experiencing.

OPERA IN ITALY

Italian serious opera with mythological themes, allegories, illusion, and wonderful scenes represents morality, justice, passion, and love. In its conception, music is important to the detriment of drama (the plot). In the mid-century, there were criticisms of this type of opera, and N. Jommelli and T. Traetta attempted an opera reform. With this reform, the following was achieved:

  •    The da capo aria is not abandoned but modified.
  •     Aria and recitative are alternated more flexibly to make the action more realistic.
  •     Accompanied recitative is used more.
  •     The orchestra becomes more important.
  •     Choruses, previously forgotten in Italian opera, appear.
  •     There is a widespread resistance to the demands of the singers.


This type of opera underwent a second reform by Gluck, so that drama should be the most important while music was subordinated to the drama. With Gluck, opera represented elevated human emotions: a typical trait of classicism.

GLUCK AND THE OPERA REFORM IN 1770
With C.W. Gluck in France (operas "Orfeo," "Alceste"), opera changed radically and aimed for music to serve poetry for the best expression of characters and plot. For this reason:

  • The overture relates to the work; it is not a disconnected piece.Verisimilitude is important.
  • The aria is replaced by strophic songs because the da capo aria with its return to the beginning does not favor the advancement of the action.
  • The division between aria and recitative is blurred in favor of homogeneity.
  • The accompanied recitative replaces the "secco," but it is expressive.
  • Music is used to characterize characters or situations; it is not an end in itself.
  • The chorus and ballet are integrated into the work; they are not ornaments.

 

COMIC OPERA IN ENGLAND

In England, comic opera is identified with the "ballad opera," a genre that became enormously popular after the success in 1728 of the work "The Beggar's Opera" by Johann Christoph Pepusch, which satirizes Italian opera by replacing heroic characters with beggars, thieves, and prostitutes. Thomas Arne is the most notable composer of comic operas, with romantic and sentimental themes. Arne stands out with over 90 operas, many of which were lost in a fire.

 

COMIC OPERA IN GERMANY

In Germany, comic opera is called "singspiel," with a light plot, where Italian recitatives are replaced by dialogues in German. The initial author in this genre is Johann Adam Hiller. In the south, in Vienna, the style was lively and popular, influenced by Italian comic opera. In the north, the singspiel assimilated into purely German opera. Another composer is Karl Ditters von Dittersdorf, better known for his instrumental music.

 

COMPREHENSION QUESTIONS FOR TEXT 4.6

  1. Why did Italian serious opera not represent the ideals of classicism?
  2. Explain the flourishing of comic opera.
  3. Name three contrasting characteristics of serious opera and three of comic opera.
  4. Who were the first to reform opera in Italy? What did they aim for?
  5. What did Gluck do regarding opera in Italy and France?
  6. Name 3 musical aspects of Gluck's reform.
  7. What is the name of comic opera in England and which author popularized it?
  8. What is "The Beggar's Opera" about, and what does it satirize?
  9. What is a singspiel, and what is its main characteristic?
  10. What was the Viennese style like, and what influence did it have?   
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